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攝影是不是藝術?

2019年08月24日 知乎問答精選 暫無評論 閱讀 2 ℃ 次

【範偉的回答(58票)】:

如果把這個問題搬到當代攝影中來討論,未免有點過時。關於攝影是不是藝術的爭論,在上世紀七八十年代就已經變得不是很重要了:無論承認與否,攝影已經成為一種藝術媒介,在展覽中屢見不鮮。

但是,有趣的是「攝影是不是一門藝術」這種問題經常都會被提出來,其實困惑大眾的並不是攝影沒有作為藝術的資格,而是攝影單純作為一種媒介,相比於繪畫雕塑(傳統藝術媒介)來說,缺少一種純粹性。大眾很少會提出來:繪畫是不是藝術,雕塑是不是藝術這種問題,而攝影,在各種方面,較之於之前的兩種媒介,無論在創作,歷史或是使用的方面都有很大的差別,因此在前期,攝影作為一種新興媒介,確實在藝術與非藝術之間遊蕩。即使關於」攝影是否是藝術」這個問題,大的討論已經結束了,但是攝影確實作為一種較年輕的藝術媒介,具有完全不同的發展軌跡。

因此,在當今這個環境下,討論攝影是不是一門藝術這個問題,更適合作為一種歷史回顧:回頭看在過去的討論中,攝影是如何被承認或被排斥的。而另一個方面,還可以考慮之前提到的,攝影到底與大眾易接受的傳統藝術媒介之間有什麼不同。

對於這場討論的起點,就應該追述到攝影發明之初。現在公認的攝影之父是達蓋爾。達蓋爾對於攝影最初的目的,即是用來作為單純的記錄媒介。記錄這個功能,即使到現在,也依然是攝影作為其媒介生存的一個主要原因之一。在發展之初,藝術家會運用攝影作為一種工具而非一種藝術介質進行創作:即畫家常常會借助照片來幫助自己的繪畫。記錄的功能將攝影規劃為一類工具,而工具就如同畫家的畫筆與帆布一樣,無法與最後的藝術成品相提並論。

而另一方面,攝影即使作為一種記錄工具,對於繪畫,在其誕生之初,也具有一定威脅。 Baudelaire在1859年時,形容攝影是「art』smost mortal enemy」。 攝影簡化了創作的步驟,降低了門檻,而此時,若將攝影當作一種藝術介質的話,無意就是等同於降低藝術的門檻。舉例而言,肖像在攝影出現之前,僅作為貴族王室與富人才能擁有的特權;一副好的肖像畫,是對藝術工匠技術的考驗。而攝影則突然簡化了這一切。想較之於繪畫,攝影操作簡單,十年的繪畫練習,甚至比不過半分鐘的曝光(攝影在發明之初速度都很慢)。並且成本的大幅下降,將肖像的成本貶了下去。肖像不再是特權的象徵,而肖像畫匠們也在那一時刻面臨了巨大的威脅。

但即使攝影作為一個闖入者,在一開始受到各方面的排斥,仍然有一些攝影師堅信,攝影能作為一種單獨的媒介,成為藝術作品。

在現代攝影中(現代泛指在1950年之前,之後稱為當代),有兩個不同的攝影風格值得介紹,分別是Pictorialism與Straight Photography。作為兩種相對獨立的風格,Pictorialism較之於Straight,歷史要稍微長一點,但也是相互影響的。

Pictorialist是較早堅持攝影作為一種藝術媒介,需要擺脫攝影最初的使命,即單純的記錄工具。Pictorialism的風格並非很統一,但大體上拋棄了攝影作品固有的清晰和精準的細節,轉而投入一種更加模糊而具有詩意的環境之中。雖然Pictorialism堅持攝影是一種藝術媒介,但觀察其作品不難發現攝影師們其實在努力的向繪畫在討好。攝影師步入的靜物或肖像,更多相似於傳統繪畫中的物體。而即使是在日常生活中的攝影,也因為刻意的在攝影或後期時降低其清晰度,從而讓照片更加神秘與模凌兩可,變得與繪畫相似。因此Pictorialist雖然在努力將攝影向藝術靠攏,但其實是在步繪畫的後塵,而並非自身獨立出來。

Straight Photography較之於Pictorialism則較晚一些。Straight中的攝影師則重新考慮攝影本身的特點:細節與還原度。這兩個被Pictorialism拋棄的東西被Straight攝影師們重新撿了回來。「真實」與「客觀」,這兩個東西是大部分Straight攝影師追求的。其中不乏有Ansel Adams與Berenice Abbott這類攝影師。攝影回歸了其記錄的功能。但較之於之前的Pictorialism,straight攝影師並不是更加中意作品是否是成為一種藝術媒介。但這樣的策略卻讓攝影作為一種媒介慢慢的脫離傳統藝術媒介的影響,而更加獨立。

當然,即使在Straight與Pictorialism的分類之下,仍有很多的不同的攝影思想,在其之外也有很多攝影方式。攝影廣泛的發展方向和大部分學科相似,能歸納出來的僅是一個較大的方向罷了。不過儘管有一部分攝影師堅持講攝影作為一種藝術媒介進行創作,攝影,如同當今形式一樣,在二戰之前,仍分為商業攝影與藝術攝影。之前所提到的Straight與Pictorialism大部分是作為藝術攝影的一部分,而另一方面,如果說藝術攝影還存在是否應該算在藝術行列之中存在爭論的話,那麼商業攝影在很長一段時間則基本上沒有什麼大的討論價值。當然,攝影也沒有在一夜之間就成為藝術媒介。攝影受更多人認可為藝術是一個緩慢的過程。

紐約現代藝術博物館(MoMA)成立於1929年,但直到Beaumont Newhall來到MoMA之前,MoMA並未有任何策劃人是專門負責攝影的。換句話說,攝影對於博物館來說,是一個完全新穎的東西:如何放置作品,如何介紹分類,攝影作為一種新的介質並沒有獨立出來考慮;MoMA並沒有將攝影作為一個嚴肅的媒介,至少在Newhall來之前,認真對待。在那個時候而言,繪畫與雕塑仍然是主要參展作品。

Newhall本身是一個業餘攝影師,不過較之於他的作品,他對攝影的評論與策展有更大的作用。Newhall編輯的《攝影史》是第一本將攝影作為藝術來介紹的歷史書籍。而在他的任期之間,他在MoMA中策劃了許多展覽,包括如達蓋爾的作品,甚至是雜誌上的攝影作品(即商業攝影)帶到了博物館中。商業攝影的地位較之於之前僅是作為工具而言慢慢的有了變化,而在1955年,當Edward Steichen接任MoMA攝影策劃人之後,商業攝影可謂在藝術圈中達到了其巔峰狀態,而Steichen為雜誌攝影所辦的那一場展名為 The Family of Man。值得一提的是,當這些雜誌攝影搬到了博物館中之後,明顯的一個區別即在於取消了對照片的描述。當這些照片的前身是作為新聞亦或是時尚的一部分時,當其在藝術館中轉化為藝術品時,其文字的那一部分消失了。

關於攝影是否是藝術的討論,在後來逐漸多的藝術家選擇接受這種介質,以及本身在現代藝術後期與當代藝術前期,藝術家評論家對於藝術本身的定義與理解在重新塑造的過程中,攝影被容納為了藝術的一部分。當然,攝影在當代藝術的大環境下,商業與藝術之間的界限較之於現代藝術中更大,若作為單純的商業攝影(例如時尚雜誌攝影),很難以說是準確的藝術品。而攝影本身與其他媒介的界限也越來越模糊,即媒介之間相互的借鑒與融合:攝影與繪畫,或與行為藝術,亦或是雕塑。當代藝術本身,較之於現代藝術,並沒有對於媒介本身有偏執情緒,也逐漸脫離形式主義的影響,而攝影作為一種手段而非在以攝影作為攝影本身這種目的在進行創作,因此攝影在某種程度上與繪畫與雕塑具有相同的創作地位。

攝影在最初作為一種複製現實的工具到成為一種藝術工具,其矛盾的中心就在於攝影本身的客觀與主觀之間的關係。藝術作為強調主觀表達需要具備作者本身的標記在上面。因此攝影本身雖然能很好的記錄事物,但強調從何角度來記錄事物是其主觀的體現。一個攝影師不會通過在照片上簽名來宣佈作品權,但其作者權在其攝影的物體上常常可以體現,因此現代攝影局限於「關於什麼的攝影」(photography of something)。但攝影,與繪畫相似,可以撒謊,可以表達,也可以給觀眾帶來情緒影響。

但攝影在歷史方面,其實缺乏一個完整統一的發展方向。之前曾提到過Pictorialism和Straight Photography,但攝影難以歸納出一個完整的運動(較之於繪畫,有印象派,未來主義,等等)。攝影更容易以一群人來定義,即這個工作室這一群人在幹什麼,那一群人在幹什麼,如f64 Group,等等。攝影的廣泛運用讓其純粹性低於繪畫與雕塑。不僅僅是商業攝影或是藝術攝影,甚至手術也要用攝影,肖像也要用攝影,攝影,較之於繪畫,在同一時間難以存在一個大致統一的討論命題。

當然,藝術館作為這場討論背後最大的推手,將攝影最後「毫無疑問」地歸納進了藝術的行列之中,也如同其他媒介一樣,藝術館與評論一起將攝影作為一個藝術介質進行了好壞分類與重新定義。攝影已經不存在是否作為藝術在前後考慮,而其作為一種藝術介質,如何是主流,何為好何為壞,是在其,甚至所有新興介質,進入藝術館之後重新的命題。

【TimothyWang的回答(4票)】:

攝影是藝術,照相不是。

【李博的回答(7票)】:

繪畫和音樂為什麼是藝術?

關鍵在於祂需要創作者從無到有的主觀創造。

其次才是祂們的作品通常是非功利性的,形式與內容具有內在關聯的,可以被感知的。

那攝影呢?

攝影是不是從無到有的創造呢?

不是。在你拍攝之前,這個場景就已經存在了,所以攝影是以技術的手段對外部世界的局部進行複製。是複製,不是從無到有的創造。

從這個角度講,攝影不算藝術。

但攝影的過程中,是否有創作者的主觀意願參與?比如構圖,用光等。

有的。從這個角度講,攝影算是藝術。

那拍攝的過程中,佈置場景,模特表演不算創作者的主觀意願?

不是。佈置場景算是裝飾藝術,模特表演算是表演藝術,二者都外在於攝影。

那攝影后期的軟件處理呢?

後期處理的事情應該歸於設計藝術了,也是外在於攝影本身。

……

再從創作工具的角度講將攝影與繪畫和音樂等相比:

攝影對工具的依賴無疑遠比前兩者重。

一支筆可以繪出生動的場景或想像,

一張口可以哼出優美的旋律(注意音樂和樂器是兩回事)。

而對於攝影而言,沒有紮實的攝影技術及設備支撐,

它對外部世界的捕捉複製能力就極為有限,

而優秀的攝影作品也在很大程度上依賴先進的攝影設備後暗訪技術等。

當然,這裡我也不否認攝早先的攝影家可以通過簡陋的設備排除漂亮有深度的作品,

但一些特殊些的場景,沒有好的設備支持,就不要指望了。

綜上,我的答案是:

相對書法繪畫音樂等藝術而言,攝影算是一半技術一半藝術。

【文森阿u的回答(3票)】:

如果說現代藝術的特點之一是從敘事性轉向了個體的一剎那間的驚顫體驗,那在瞬時完結這方面,任何形式的藝術都不能與攝影相比。從發現目標到立即按動快門,這一過程要0.2秒,而按動快門——抬起反光板——焦平面快門移開,這一過程只有0.03毫秒。手、眼、心靈在拖延與高漲的終止和啟始間相協調,於即時即地造成了一次次突發性的情感震盪。按快門的時刻,食指依機種的不同,大約在0.2~2.2毫米的沖程範圍內移動。越向下感覺越明顯—掣鈕壓向食指深處的反彈力漸次增大;皮膚最敏感的部分是在第二層而不是在表層—掣鈕延長通道的每一級段都是有可能崩斷的琴弦。或在遲疑不決中將蓄勢過程無限期拖延。再不然就是以有棗沒棗一棍子的態度,在過片馬達的慫恿下肆行拍攝,於預計的可能範圍內,用膠片做成許許多多個陷阱—不是攝影者去捕捉對象,而是候對像墜入:由信心缺乏造成的難以決斷常常會因較大的概率而取得偶爾的成功。

攝影家閉住眼,聽一聽由別人的手擺弄他所鍾愛的相機:頂蓋、底蓋、機身在同一瞬間震顫著,每一擋聲音都強調著自己並滌除著其他擋的聲音。攝影家不惟能清楚地分辨出每一擋快門,他還在沉穩感、聚合感、厚重感、剛硬感、和諧感裡,聽出僅有他能體察又不能用言語盡述的東西:深度質感。

深度質感是一種建構性力量。就像一個內心深懷極度情感的人一樣,「品格」從隨便哪一個點都能放散開去,同時又能收回到內心最初的那個原點—資深攝影家的手能探查出快門引發連鎖震撼的線路和發端的位置。

的確,好的相機如好的音響,衝出機殼的聲音不溫吞,要不然冷艷要不然華美。慢速度時最為明顯,靜態強度的穩定性極高,在非常一致的從啟始至截止的長程流動中,音質被細緻的顆粒所填充所脹滿。

握持相機是攝影家生命的需求,即便在創作的休耕期,他也會時不時取出相機—他需要在這器物中熟悉與調校感覺—相機的功用性淡出,握持相機給觸覺帶來的那種精製感凸現。他久久地聆聽鑄件傳導出的每一細小的聲音—是自己的世界在重生,那重生的聲音是從他心上跑過。

要是把點動快門比作提閘放水,一次性實施後即一瀉千里,不可收拾,那扭動調焦環就是在平衡木上的跳躍表演:左右擺動,找準重心,稍一停頓就突然向後騰躍。攝影家大都偏愛既無阻滯又有阻尼的調焦環,一則因為如鞋一樣,剛買時合適,越穿越垮;二則手感松的環易造成「跑焦」。

在世界相機工業迅速趨向AE、AF化的過程中,已沒有多少人去對比機械好還是電子好了。「可在零下20℃和無電池的情形中正常使用」 。除了特殊地區,有多少機會器材要暴露在這樣的溫度下?又有多少時候我們忽然買不到電池了?機械相機的劣勢是明顯的:快門會逐漸疲勞,其精度遠不能與由石英控制的電磁式快門相比。電子相機豐富的軟件儲備給拍攝者帶來了更多的可能。電子相機的內置馬達也更快,對著同一張臉5張拍出去了,手動扳手才捲過去一張。表情瞬息萬變,摁1000張也只有一張最好—比起差旅費,比起有價值的拍攝機會,比起日銷月鑠永不歸返的時光,膠卷是最便宜的。優秀的拳擊手每秒鐘都可以打出6拳;電子相機在快速出擊中佔有的概率上的優勢往往保證了照片的有效點數。不要說布勒松使用手動相機也創作了好的作品,而要說若是那個年頭就有了電子相機,他或許會拍得更多更好。

不待言,機械相機也曾有它的輝煌。從1929年算起,祿萊弗萊克斯——這部1920年由年輕的德國人海得克設計的雙鏡頭反光相機差不多風靡照相器材界30載。較之歐美工業設計風格,東方工業設計風格,發源於德國魏瑪的包豪斯工業設計風格更顯其凝重、沉實;祿萊相機端在手裡的那種下墜感正體現了這一種凝重、沉實。

1987年春,舊時代再次回到了新時代,祿萊這部散發著品質光芒的里程碑式作品又以2.8GX的最新款型重返市場。不過,這一回的雙鏡頭反光相機中已加入了TTL測光表及OTF自動閃光燈曝光功能,從而使該機在工藝和性能方面升至到了頂峰。

20多年前,我讀過一本20世紀30年代印刷的全部由祿萊拍的畫冊,其精美的影調讓我一下子就愛上了攝影。那畫冊的最後一頁是一大排人正微笑著向前走來,每人的頸上吊著一部祿萊。圖片說明:愉快的祿萊相機擁有者。那時的我心裡湧動著一個奢望:何時我也是其中的一員?

上世紀70年代初,我看見通訊社報社的記者用裝有蔡司普拉納75mm/3.5或裝有仙諾塔80mm/2.8的祿萊搶新聞。雖然不能換鏡頭,但離被攝體多遠會有多大的像場,這個感覺在他們頭腦裡已經相當固定。一鏡走天涯,一觸即變快如閃電。這以後問世的變焦鏡頭既免去了負重的辛苦,又因不用來回換鏡頭而搶得了一個個精彩的瞬間。但凡事都沒那麼便宜,給你一種東西就一定會奪走你的另外一種東西。隨著鏡筒的左旋右轉前推後拉,多少次由直覺和經驗累積起來的固定像場感也給完全破壞掉了—老記者們跑前跑後登高爬低,或俯視或打開運動觀察窗直視或雙手舉機過頂,明亮的高反差的希多斯曼特F2.8取景透鏡讓他們辨出了眼前的一切。他們調整步幅旋動調焦環,特別是那既乾脆又突然的搖轉過片桿的動作,使人、機全然混融在一起。

1978年,我到雜誌社從事報道攝影,一部E型和一部F型祿萊整整跟了我5年。該機上弦、卷片、計數、停片的「機內微傳感滾筒」設計令我、也令所有愛這款相機的人折服。至今,仍有不少識貨者在二手店搜求價格在1000~4000元之間的祿萊。剃頭、唱戲、打拳、遛鳥,皇城根下不時能看見手持祿萊拍此類老北京生活場景的影友。這些影友經反覆比較認定:早期祿萊鍍膜簡單,不能與當今祿萊HFT高解像的真空鍍膜相比,但拍黑白片影響不大,且灰調子特別豐富,是現代新式的日制鏡頭無法與之相比的。

【萌先生的回答(3票)】:

我們得明白什麼是藝術,源於生活又高於生活。

我們還得明白,什麼是攝影——用光作畫的技術。就如同用油畫顏料,水彩,素描,等等。攝影同樣也是由幾個部分組成,膠片、快門、光圈、感光度、光線。

說它是藝術,得看相機在誰手裡,在一個像館的師傅手裡跟在楊延康大師手裡是不同的。就如油畫筆在畢加索和深圳大芬村畫匠手裡的區別是一樣的道理。

其實我覺得任何東西都可以說是藝術也可以說是技術,當技術達到一定程度就是藝術了。因為神乎其技。

但是,藝術之所以是藝術,因為創作者想表達。

當然,沒有技術基礎的想表達是不能稱之為藝術的。

【張大悲的回答(3票)】:

但凡可以從中獲得「美」的感性體驗的載體,都可以稱之為藝術品。

這個載體所承載的「美」,甚至可以與其作者無關。

我無意間按下快門,拍下一叢不知是哪裡的斑駁光影,有人看到,讓他想起了四五年級的時候,和同桌小芳一起走過回家的路,路上的狗尾巴草在夕陽下的影子他一直想不起來是什麼樣子,他突然想起來了。對他來說,這張我自己都不知道什麼時候拍下的照片,就是他的藝術品。

但這個例子和舉這個例子的我都太極端了,如果真是這樣,失戀的王二看到一包薯片一串鑰匙都會想到他可愛的小前女友,激起無限的惆悵,那對他而言豈不是世間萬物都變成了藝術品。(到底一包薯片是不是藝術品,到底藝術品是一個人的還是普世的,我們先按下不說。)

所以我們通常要講一個完整的鏈條,作者感受到了觸動,編碼,形成藝術品,讀者進行解碼,獲得信息的過程。各家的說法不大一樣,但是大致是這麼個意思。

再舉一個更加喪心病狂的例子...我今天在單元樓梯的陰暗角落撿到兩塊錢,感覺很開心,發了條微博,「23333,撿到錢了」。這就形成了前半段,作者感到了觸動,編碼表達了我很開心的情感。王二看到了微博,呵呵,這廝挺開心啊,還多打了兩個三。

果然是個喪心病狂的例子...這瑪麗隔壁一點都不藝術,怎麼辦呢。如果王二恰巧曾經也在樓道裡的陰暗角落撿到過錢,就會瞬間從我的23333里聯想到自己當時撿到錢的興奮,還會更好的體驗到我當時撿到錢的興奮,產生了共鳴。

有了共鳴就太棒了。共鳴就是讓你覺得為啥阿Q嫩麼賤,為啥尼摩船長辣麼憂鬱,為啥松子介麼窘迫的東西。共鳴有時很簡單,一句2333就說的完。但大多數時候很複雜,一本尤利西斯也說不完。我相信越複雜的共鳴,越有震懾人心的力量。

同樣的,這樣的創作到讀解的鏈條也是存在與攝影藝術中的。只是到了現代,產生了許多始料未及的變故。先不說「影樓」的存在,我們所有人知道了很多有關攝影的「小技巧」:「簡單8招拍出專業建築攝影」「13個場景人像攝影攻略」....拍長腿用廣角、拍天空來幾片UV鏡、來個1.4的大光圈虛化超給力,這些東西的存在只是因為這玩意太普及了。

於是大家產生了兩種疑問,王二最近整了個台GR,去小巷子裡鑽來鑽去,就成藝術家啦(藝術怎麼能這麼簡單)?以及森山大道就這麼拿著台GR,在小巷子鑽來鑽去,就成大師啦(藝術怎麼這麼簡單)?

終於當上了高端大氣上檔次的風光攝影師,歷經艱難險阻,終於站在了可以展示玉龍雪山神聖巍峨的絕佳平台,終於等到大霧散去,日光照耀的這一刻,王二死死抓著手裡的645D,強行抑制著雙手的顫抖,70年前亞當斯的靈魂彷彿觸手可及,有人拍了拍他的肩膀,「老哥,能往左挪挪麼,我這...喲..哥們不錯呀」,王二回頭一看,一片叮裡匡啷的腳架聲,大伙紛紛鋪開了陣勢,王二有了一種自己是個體育記者的錯覺。

終於當上了小有名氣的商業攝影師,王二接到了某汽車品牌的大活,興奮的睡不著覺,客戶臨走前交代,要大氣要有檔次。王二說要得要得。客戶說接著說,我覺得一大片天空下,一條常常的公路上,對,這種構圖就很好。王二說,要得要得。客戶看片之後說,哪個要你拍背面哦,你是瓜的嗦,別個大眾都是正面45°咧,照相都不會,還攝影。

一不小心又精神分裂了我...剛才扯的這些淡不能阻止攝影成為藝術,去宣洩,去共鳴。

誠然攝影發生了非常非常大的變化,但感性動物的我們還存在,留給時間去表達吧。

附上兩幅攝影作品,簡單與複雜的情感,喜聞樂見的照片了,大家不要賤笑。

以及以及

【蔡文欣的回答(3票)】:

範偉 的回答非常好,我來補充一些些我覺得有趣的觀點。

其實攝影作為藝術形式只佔攝影社會角色裡的一小部分,大部分時間,它是被當做一種記錄工具使用的,比如監控,犯罪現場記錄等等。但是有策展人和評論人會去挖掘警署記錄和生活快照這類作品中的藝術性。其實,他們的藝術性並不僅僅在於視覺,當然對於天生有好奇心和窺探癖的人類,這類攝影作品裡呈現出的隱私和故事性讓人著迷,因為對當時事件缺乏瞭解,想像往往通過一張照片天馬行空起來。這類似於Roland Barthes在Camera Lucida中對老照片的解讀,他提出了一個叫「punctum」的概念,簡單翻譯是直指人心,有種強大的穿透力刺穿心臟的感覺。但這個不是通過視覺效果傳達出的,而是「我所賦予照片的東西已經早就存在」("what I add to the photograph and what is nonetheless already there" 這一攝影的特點,當然這是在沒有對圖像有後期改變的前提下的。而且這種與現實物理上的存在關係,是只在傳統膠片攝影裡成立的:當被拍攝者自身折射的光穿過鏡頭到感光底片上催化出化學反應,以完成記錄。可以說,存在於底片上的圖像,是拍攝者曾經的一部分物理存在。Barthes舉例他感受到"punctum"的照片中有一張尼加拉瓜內戰的街拍快照,裡面行軍的士兵和路過的修女被快門定格在同一個構圖裡。其實這是可以想像出來的,是合理存在的情況。但是這張照片把這一時刻記錄下來後,不但提供了一種作證,更一種供人想像的材料,原來當時的國家是這樣的,觀者會注入自己的解讀。很多街拍名作裡的情景其實無時無刻都在發生,但是因為沒有記錄,所以悄然流逝。Susan Sontag提出過一種極端的世界觀,即沒有被拍下的世界,是不存在過的,這貌似也是一些攝影師的信條,他們時時刻刻待命,就為了抓拍下他們認為可以改變人們認知世界的照片,這在現在是一個很難的任務,因為氾濫的照片和視頻,讓我們產生了審美疲勞。如果攝影可以記錄一種不為人知的美,它也隨時可以將其毀滅殆盡,比如被拍攝了無數次的微距露珠,一次次的觀看,只會削弱對其美的感受。所以很多當代攝影是反對視覺享受的,照片都呈現出無聊,直白,毫無修飾,和看不出其作者的特質。內容經常是對某一題材的反覆拍攝,達到收集的效果,但是就是在一遍遍的重複中,一種微妙的美產生了。比如我最近看到美國一個年輕的攝影師的作品,他受到Robort Adams和Walker Evans的影響,也許還有貝歇夫婦 ,拍攝了一系列被罩子蓋住的汽車,如果只是看單張,可以說是非常無聊的,但是,看完二十張以後,它的故事性就自發了出來。所以很多時候,攝影藝術的完成依靠的是攝影師獨特的眼光,還有必不可少的,觀眾被暗示後產生的聯想。繪畫有時過度有力量,每次站在巴洛克畫前,那種直觀,攝人心魂的美會讓人忘記一切。相比較攝影,更容易催生出的是一種理性,智性的觀賞經歷,當然這和它的記錄性和與歷史的關係密不可分。

【看門房的李大爺的回答(0票)】:

凡事做到一個高度深度廣度都是藝術

【知乎用戶的回答(1票)】:

攝影是一門技術 它可以為藝術服務

【知乎用戶的回答(1票)】:

首先呢,在某種程度上來說,攝影是一個很主觀的事情。比如你為某人或者某物或者某個場景拍了一張照。光影、人物什麼的都恰到好處。在你自己看來,這是一張自己的水準之照。OK,這張確實是藝術品。

藝術是什麼?有人說藝術就是激起共鳴。我很贊同。有人看到你的片子說好看,可以稱之為藝術。有人看了以後覺得「不太理解」,或者「拍的比較差勁」,那也OK,在他們看來不是藝術。這裡就顯現出了藝術的「主觀性」。

但是呢,藝術的更大層次,是歷史性的共鳴。它涉及到全人類的共同價值。殺戮、生命、衝突、幸福等等,這些對象,只要表達方式恰當,藝術創作者功力深厚,我相信無論是什麼觀眾,都會有基本的共鳴。由此,我們集體稱之為藝術。

再舉個例子。布列松,著名攝影師。曾經有一件作品,視角在螺旋扶梯上,從上向下拍攝了一位騎自行車剛好路過的人。在知道作者之前,很多人認為這張片子「對焦不准」、「畫面模糊」等等問題,稱其為習作,甚至於不屑;後來他們知道了作者是布列松,又稱之為」大師水準之作「。這很有趣,到底是大師成就了藝術?還是藝術成就了大師?

總體來說,藝術是一件很主觀的事情。詢問100個人,會有100種答案。對於主觀的事情,盡量的做到人畜無害,同時愉悅自己就好。

一張照片,自己快樂了,那就很好;如果有人讚,有人喜歡,對於作者來說,已經是很光榮的一件事。

【白小刺的回答(3票)】:

看你怎麼理解藝術,我個人對藝術的理解是創作者本身達到的一種境界,而與具體做什麼無關。任何一件事,只要你把它做到了極致,就是藝術。比如喬丹的籃球,齊達內的盤帶,喬布斯的iPhone。相反,如果沒做到極致,就算一個人從事的是一般意義上的藝術活動,比如繪畫、書法、雕塑,也算不上藝術

以上是個人扯淡,估計題主問的也不是這個,回到一般的理解上,攝影到底算不算藝術?這個問題不太好回答,其實早在攝影出現初期,攝影師就已經思考過這個問題:

1850-1860年代早期,攝影的藝術特質普遍遭到質疑,攝影師為了獲得藝術圈的承認,把照片拍得如同畫一樣,這就是當時流行的畫意攝影,拍攝的時候使用柔焦,相紙也要有紋理和質感,後期還用很多工藝進行修飾,甚至在拍攝的時候用擺佈表演的方法。

畫意攝影這種方式存在的時間並不長,後來也沒有延續下來,攝影很快就開始走自己的路了。

好像還是沒回答攝影是不是藝術的問題。2012年,「彩色攝影之父」埃格爾斯頓的36幅作品在佳士得被拍出590萬美元高價,當時佳士得拍賣行攝影部主管Joshua Holdeman表示:

這次拍賣是希望將埃格爾斯頓的作品重新介紹給主流藝術世界:「在很長一段時間內,埃格爾斯頓的影響被束縛在攝影的舊學院世界中。他的研究方向集中在沖洗和打印等方面。對現代藝術收藏者來說,他們更關注作品本身——並不關心這幅作品是使用染料轉印或噴墨打印或其他方式製作的。他們只關心作品本身是否足夠精彩。這是一次將埃格爾斯頓從攝影世界帶入更廣闊的藝術世界的嘗試。我相信對他來說,在很長時間裡這會是非常重要的一件事。」

從這段話裡我們能讀出什麼呢?

僅就攝影這種創作方式而言,並不是藝術界所關注的東西。無論是攝影技術、暗房技術、數碼技術或相機技術,都和藝術圈無關。但是,藝術界接受攝影作品以藝術品的身份出現——一幅照片之所以是藝術,與它是照片無關,而只與它的內容有關。

這個說法恐怕會讓很大一批自以為是搞「藝術創作」而拿起相機的人失望吧

【噗忞忞的回答(0票)】:

既是藝術,又是技術,

既是科學,也是審美。

【黃菁的回答(0票)】:

和所有事情一樣,看你干到什麼程度的。

【BOBYANG的回答(1票)】:

您還是先告訴大家藝術是什麼吧!

【Hiyachen的回答(2票)】:

多圖預警。

我認為攝影是和音樂、舞蹈、書法、作畫等等一樣,都能夠將人的情感用各自獨特的方式來呈現。另外,通過攝影也可以表達大自然、世界等等。隨便舉個例子:題主應該看過公益照片吧?很簡單的問題,看了之後有沒有對你有所觸動?

就在前幾天我跟拍了朋友的婚禮,當中就有非常多的」情感「可以感受:

我當然算不上什麼大師,連專業都不算,只是自己感興趣。那我們來看看Sony世界攝影獎的幾個入圍作品:

鏈接:>2014 Sony世界攝影獎精彩照片

攝於哥斯達黎加? Nicolas Reusens

在西班牙舉辦的國際泳聯世界錦標賽,男子4×100米自由泳接力? Adam Pretty在西班牙舉辦的國際泳聯世界錦標賽,男子4×100米自由泳接力? Adam Pretty

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格鬥家Jorge Herrera 正在鍛練身體? Nikolai Linares格鬥家Jorge Herrera 正在鍛練身體? Nikolai Linares

攝影也只是反映人對世界、對自我的價值觀體現的一種表現形式。它落於實際卻深刻地表達。

【辛stuki的回答(4票)】:

是。。。要不我為毛學了那麼多年美術然後上這個攝影專業。不是所有

【照片】都能被稱之為

【攝影作品】。攝影是集合了構圖,色彩,光影,思想為一體的美學載體,是從繪畫中昇華脫離出來的一種藝術表現形式。攝影不是一種機械的,物理化學性質的操作。我們按下快門的一瞬追求的是心中眼中的美學。

【貝叔的回答(0票)】:

請提問者自答唱歌是不是藝術,同理。

【chongli的回答(1票)】:

寫字是不是藝術,書法是不是,名人題字書法是不是,1萬一幅所謂名作是不是,書法是寫字麼? 寫字重要的是過程還是文字?是主觀為主愛怎麼寫怎麼寫,還是有規律可循?

沒有一個問題有唯一解

攝影也如此

【楊瑋琪的回答(1票)】:

不知道攝影算不算藝術,但是作為一個攝影系學生,我在高考時被劃歸藝術類考生了。

標籤:-攝影 -藝術史


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